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Sociedad Visuales

Artistas de #Chatarra 2015, primera parte

Por Majo Arrieta

Fotos de Gonzalo Viramonte para Chatarra

Por estos días el Festival de arte Colectivo Chatarra, ha sido declarado de interés cultural por el Gobierno de la Provincia de Córdoba y la Agencia Córdoba Cultura. Con una grilla de actividades, y la participación de 17 artistas, entre los que se encuentran algunos colectivos, la edición 2015 se presenta en el Museo Palacio Dionisi, combinando el lujo de las instalaciones del lugar con una propuesta de arte reflexivo, sustentable, integrador y consciente sobre las problemáticas socio ambientales.

Recorrimos las salas junto a sus artistas, que nos contaron más sobre cada una de las obras y cómo es trabajar equipo para un festival de estas características.

AccionAlo es un equipo de artistas, integrado por Cecilia Garzón Maceda, Teli Rezzonico y Viviana Murina, que desde la investigación, la creación y producción de plataformas de procesos colaborativos realizan obras que potencian las ideas de manera colectiva. “Estamos muy alineadas en ese pensamiento, de que lo colaborativo hoy es tan fuerte y el resultado supera. Se potencia, se multiplica a la individualidad, al yo como artista, pero no como una cuestión de socialismo, es una cuestión de potenciar una idea, y no sólo a nivel de que el otro colabore, el espectador, sino que como artistas trabajamos en equipo, somos tres y siempre para cada proyecto, según el perfil convocamos a una persona que venga de sistema, de teatro, de arquitectura”, nos cuenta Teli Razzonico sobre la actividad de AccionAlo.

Cada uno de sus proyectos presenta en el nombre este juego de palabras que es Use Me To Do, que se puede leer de tres maneras diferentes, en inglés, o pensándolo como Useme Todo , o Use Metodo. Para #Chatarra2015, presentaron Use Me To Do/#Rescate, una plataforma llevada al arte, que propone posicionarse antes de que suceda la transformación del objeto en basura, residuo u olvido.

 

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¿Cómo nace esto de la propuesta?

Telli Razzonico: Nos convocó el equipo de Chatarra con esta idea de una reflexión sobre el arte sustentable. Desde AccionAlo pensamos un proyecto con la premisa de no situarnos en que trajera más chatarra.

Cecilia Garzón Maceda: Situarnos en  el museo antes de la situación basura, posicionarnos antes de que sucediera la transformación del objeto en basura, residuo u olvido, porque nosotros también planteamos el olvido como una cosa residual y trabajar con una cosa en la extracción de ese momento anterior y tratar de extraer y plantear un pensamiento, una reflexión sobre qué se quería rescatar.

TR: Una mirada prospectiva, un punto anterior del ciclo produce-tire, que tienen todas las cosas, es colocarte en  una visión a futuro. Pero como hemos propuesto que esto no se transforme en olvido, la metáfora fue más amplia, la gente mandó de todo un poco, recuerdos, situaciones, paisajes, entonces la convocatoria fue amplia, no nos limitamos al tema basura. Generamos la página interactiva y el nombre de la obra es Use Me To Do/#Rescate y Max Glava que es Agusto Villamea, el que trabaja con la proyección y Vos que es la persona que participó enviando o el espectador que entra y participa.

CGM: Hay dos instancias de público, el de sala y el anterior a sala que fue el que subió la imagen que quiso rescatar, la imagen, el sonido, el paisaje, los videos que quería rescatar a la página web.

La obra posee un antes, un durante y un pos. La obra no sólo participa con el público en sala, sino que lo convocó antes para ser parte de la obra. La convocatoria, se realizó 15 días antes de Chatarra a través de las redes sociales para que la gente ingresara a accionalo.com y pudiera aportar aquello que no quiere que sea olvidado, ya sea por medio de un audio, una imagen, un video, un texto.

Con más de cien participaciones activas en la página, se realizó la puesta que hoy se puede ver en el Museo Dionisi, sin embargo, la acción continúa y sus realizadoras le abren el juego a más gente.

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TL: Tratamos de integrar en estos proyectos tecnológicos a gente que no es tan tecnológica, hicimos esta encuestita que está sobre la mesa y ahí captamos al adulto que no tiene acceso, no quiere o está más negado. Entonces tenemos casi 500 encuestas, eso también es parte de la obra, entonces si no pudiste mandar la imagen escribí y envía en la encuesta, los invitamos a que dibujaran en la cajita lo que quisieran realizar y seguimos recibiendo.

Durante la inauguración de #Chatarra2015, realizaron la impresión de las imágenes que participan de la proyección que se encuentra en sala y se las entregaron a los asistentes para que realizaran un origami con forma de cajita. De este modo, cada uno de la gente que concurrió, se llevó en una cajita lo que alguien más quiso rescatar.

La convocatoria para quienes quieran seguir mandando imágenes sigue abierta y también se puede conocer más de AccionAlo a través de su web http://www.accionalo.com/

 

Las Flores del Mal

Agustina Roca es de formación arquitecta, desde hace algunos años trabaja en arte, buscando no no ir por lo plenamente visual, tecnológico, sino aprovechando lo conceptual, lo plástico visual. En esta ocasión nos habla, a través del arte, sobre la humanidad tanto en el sentido positivo de las acciones, de los comportamientos que vemos a diario, pero también con la deshumanización que lleva a una emergencia como señal de peligro y la necesidad de emerger, de salir que tiene la conducta humana.

Agustina Roca

Su obra Las Flores del Mal consiste en crisantemos colocados en un acrílico que conviven con luces de neón, a la espera de marchitarse y caer sobre una base de chapa.

“Es una obra que es conceptual, pero también tiene una progresión, muestra lo efímero que es la existencia humana, y las flores entre ellas van mancomunándose y compartiendo la humedad para sobrevivir”, nos cuenta  Agustina.

“El neón, por su parte, es una materialidad que relaciono mucho con la ciudad, con la cartelería de fines publicitarios, mensajes banales y triviales y pongo en fuego ese significado del neón con algo que para mí es muy importante que es la humanidad y la deshumanización.  Esa ironía en conjunto con las flores que intentan sobrevivir, en un contrapunto  elevado liviano, colgado, transparente y una base muy precaria y sólida que es donde caen estos restos de humanidad”, explica la artista.

Dentro de la rigidez de la obra, las flores son el dinamismo, que le dan un cambio, una progresión, muestra lo efímero del concepto. El hecho de que sean crisantemos no es casualidad. A diferencia de otras, éstas tienen la pluralidad de significados de acuerdo al lugar geográfico, y para Agustina es lo que tiene que ver con los distintos comportamientos sociales de distintas culturas. Para sorpresa de la propia realizadora, las flores se van mancomunando y pasándose la humedad, como si supieran la obra en la que están, intentando sobrevivir.

Las flores del mal #AgustinaRoca #Chatarra2015 #museopalaciodionisi

Una foto publicada por María José Arrieta (@majitoarrieta) el

Agustina llegó a Chatarra el año pasado con una obra urbana y además también participó en Néctar, obra en la que trabajó junto a los artistas Emilio Zárate y María Guglielmelli, con la iluminación de Gonzalo Videla.

#Chatarra arte colectivo desembarca en Mendoza 

Colapso!

Un cuarto oscuro al que se ingresa a través de un túnel de rejas, la obra intenta generar la interacción entre las personas, el reconocimiento del otro que por la lógica contemporánea en la que vivimos se desdibuja. “Este es un pequeño gesto para conectar a las personas y en esa conexión se develan espacios que no se pueden descubrir desde el individuo”, explica Lucas Carranza integrante de Colapso! 

La obra se titula Ausente, y es realizada por este colectivo de arquitectos, integrado por Lucas CarranzaAgustín Rovaretti y Juan Pablo Vázquez, que nace allá por el 2010, en un ciclo sobre patrimonio al que fueron convocados por el Centro Cultural España Córdoba. Colapso! intenta generar nuevas plataformas de discusión y debate sobre temas que tienen que ver con el lado de lo urbano.  Su nombre hace referencia a un agotamiento de un modo de hacer, de pensar y comenzar a enfocar las cosas de una manera diferente.

Lucas nos cuenta: “Somos todos arquitectos, no somos artistas per se, pero creemos que desde la arquitectura se pueden decir muchas cosas, creo que desde la lógica del arte se puede informar a la arquitectura y viceversa”.

Desde su lugar, intentan instalar temas de los que mucha gente se queja y que están en la agenda de la construcción de la ciudad, pero que no se abordan por la complejidad que implica la comunicación entre actores que tienen injerencia directa o indirecta en la ciudad. Desde su grupo buscan generar estos espacios en donde se discuta, se debata.     Colapso Ausente 2

¿Cómo es integrarse a una muestra como Chatarra de arte colectivo? 

Pensamos que el trabajo colectivo es indispensable, justamente somos un grupo que intenta buscar  nuevas perspectivas para abordar los temas de siempre, para eso es necesario tener varias visiones en el grupo. Respecto de Chatarra nos pareció fantástico sumarnos a un colectivo que tiene lógicas totalmente diferentes, las propias de un colectivo de arte. Nos atrajo esa posibilidad de trabajar con nuevas lógicas. Desde la arquitectura tal vez, el mensaje que intentamos dar con esta instalación no sería tan inmediato. El arte tiene esa condición tan espontánea y mucho más rápida y después de todos modos lo trasladamos a la arquitectura porque estas estructuras van a ser reutilizadas para hacer equipamiento público en barrio Cabildo de Córdoba.

¿Cómo ha sido la reacción del público? 

Hemos visto reacciones bastante variadas. Nos sorprendió mucho porque los tiempos de la arquitectura son muchos más largos para poder ver cómo reacciona el usuario, y en este caso fue más instantáneo. Pudimos ver reacciones positivas y negativas. Pero creemos que lo importante es -desde este lugar- decir algo respecto del contexto en el que estamos viviendo. Los límites que construimos en esta sala representan los límites tangibles e intangibles que existen a nivel global o local, límites que segregan. Entonces desde este pequeño rincón, mediante esta instalación y su posterior reutilización, colaboramos con el cambio.

Colapso Ausente

 

 Un halo de luz naranja

Maria Gugliemelli y Gabriel Mosconi  el año pasado trabajaron juntos en la obra 248 Horas Hombre que formó parte de la edición Chatarra 2014. Este año llevaron a cabo Paisaje Inverso, una obra que está relacionada con la anterior pero sólo en el método de producción, que tiene que ver con gestos mínimos que se producen varias veces. 

Cuando la materia habla, según Maria Guglielmelli

Maria Guliemelli: Este año, a diferencia de la otra es un concepto totalmente distinto, a pesar que tenga la misma metodología de trabajo, es un concepto totalmente distinto, el material, la forma…

Gabriel Mosconi: El color, la calidez. La otra tenía como una cosa de diseño que establecía una relación más fría con el espectador. En esta lo que pasa es que hay como una cosa mucho más cálida, más amena de ver. La otra era como una cosa más de diseño y esta tiene que ver con el concepto mismo tiene que ver con otro tipo de relación vivencial del espectador con la otra. El mismo color, ilumina la habitación, incorpora la situación, tipo 6 de la tarde uno ve un halo naranja que sale de la habitación y te invita a ver cómo es.

Paisaje Inverso

¿Cómo fue la creación de la obra?

MG: Arrancamos con el primer tema que es paisaje, ese fue como el eje que fue derivando en muchas cosas a la vez, si me preguntas en qué momento llegamos al peluche naranja no me acuerdo.

GM: Me acuerdo que cuando empezamos arrancamos con esa idea de que fuera más ameno que permita otro tipo de conexión. Llegamos a un color señal, porque te llama la atención.  Sabíamos que tenía que ser un espacio más íntimo ocupado al 100% a un nivel que el espacio se vuelva parte de la obra indefectiblemente. Está la obra pensada para esta habitación, dimensionamos que 4 metros por 4 metros era ideal para esta sala. El piso de madera nos encantaba porque era cálido. Después incorporamos el tema de la casa, que está hecha por chapa de cartelería vieja, una chapa muy endeble, muy oxidada por un lado, toda pegatineada por el otro.

495 tuercas oxidadas, le dan peso, al interior de los peluches anaranjados que cuelgan de una red y recubren el centro de la habitación. La producción consistió en repetir una misma acción 495 veces, cortar las tiras, atarlas a las tueras, cortar los cuadraditos, pegarlos.

GM: Lo que tiene bueno el proceso de trabajo nuestro es que llegamos a sistematizarnos sin perder el eje. Conseguimos los 20kilos de tuerca que eran las 495 tuercas, las lavamos, le sacamos el exceso de óxido, cortamos las lanitas, de las medidas que tenían que tener, atamos las lanitas a las tuercas, después cortamos el peluche y empezamos a pegarlo con fana.

  #Chatarra2015 #museopalaciodionisi #arte #artecolectivo   Una foto publicada por María José Arrieta (@majitoarrieta) el

¿Cómo es trabajar en equipo?

MG: Como dinámica grupal tenemos muy buena dinámica, la verdad que laburamos muy bien, acá nunca hay discusión,  vamos debatiendo y va saliendo, pensamos un mismo fin. La maquinamos mucho a la obra, a esta la empezamos en febrero.

GM: La cambiamos un montón desde que empezó, como el norte no se cambia llegas a una concreción exitosa. En relación a la dinámica de grupo siempre tuve dos obras, un grupo por un lado y mi obra escultórica por otro. En mi obra personal es como más seria, más fría y en la de grupo siempre me permito jugar más. Necesito tener esas dos instancias.

Mery, se sumó a Chatarra desde la primera edición, desde el año pasado es la encargada de la dirección de montaje del festival. Gabriel, se incorporó el año pasado por invitación de Mery, tanto en la obra anterior como en esta, se preocupa por que el material utilizado, por más que provenga de algo desechado, se vea como el ideal para la obra: “Ése es el  desafío, traer un material que parece que  no sirve en otro lado y después decir pucha este material es para esta obra”. A esta idea, Mery agrega que hay que darle al material la utilidad que tiene que tener, se tiene que ver la idea, el concepto, “buscamos que la obra tenga un porcentaje de material reciclado, pero trabajamos mucho la parte estética, prolija y de concepto. Mucha gente cree que por ser estética no tiene un concepto, que no reciclás, sino que es nuevo. Esa es la diferencia entre lo estético y lo bello que a veces no coincide con lo reciclado, pero puede serlo todo”.

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Majo Arrieta

Periodista y Lic. en Comunicación Social. Apasionada de las artes en todas sus formas, de la vida al aire libre. Por momentos fotógrafa, por momentos escritora. Un híbrido con muchísimas aristas para conocer y leer.