Scattered Night, la ópera prima de las coreanas Sol Kim y Jihyoung Lee, es la historia de una separación pero desde el punto de vista de Sumin, una niña de diez años. Ella y su hermano adolescente están agobiados por las incertidumbres ante la inminencia de la ruptura del matrimonio que trae aparejado la venta del departamento. Los padres escasean la información, no tienen definido con quién convivirán los hijos, dudas que abruman a los hermanos. Para dejar bien en claro que el eje narrativo pasa por los niños, la cámara se posiciona a su altura, entrecortando en varios pasajes los cuerpos de los adultos.
Un delicado análisis de una situación conflictiva, llevado adelante con sutileza y mucho tacto sin exteriorizaciones desmedidas. Los padres es más lo que callan que lo que discuten, son los jóvenes los que verbalizan más el dilema. El tema de las diferencias entre la era paleolítica y la neolítica surge en una escena mientras Sumin y su padre recorren un museo.
Los adultos representan en cierto modo a los habitantes de la Edad de Piedra, con un futuro incierto lleno de traslados, son los nómades de aquella época. Los hijos se acercan más a la era que precedió a la Edad Antigua, son sedentarios, reacios a la mudanza, no quieren cambiar su hogar. Un promisorio debut para las jóvenes directoras y un buen comienzo para la sección Competencia Internacional.
Del Auditórium, tarjeta SUBE mediante, me trasladé hasta el Museo Mar sobre la costa para ver el documental El cine a través de la música de Emilio Cartoy Díaz. Marcado en la grilla como un evento especial, la función contó con la presencia de Diego Boris, director del INAMU (Instituto Nacional de la Música), quien presentó a los reconocidos compositores Luis María Serra (La Mary, Camila, Miss Mary) y Daniel Tarrab (La puta y la ballena, XXY, La señal).
A través de breves entrevistas a músicos y algunos directores devenidos en autores de piezas instrumentales (Pino Solanas, José Martínez Suárez), se abren las puertas del recuerdo en una emotiva sucesión de imágenes que comienzan con el tango Yira Yira cantado por Gardel en 1930. Películas emblemáticas donde la banda sonora o determinada secuencia resaltan una melodía o resumen los sentimientos de los personajes, provocan alborozo cuando despunta un romance, una sonrisa cómplice cuando impera el grotesco y conmoción ante ficciones dramáticas.
Cartoy Díaz realiza una cabalgata musical en la que desfilaron Litto Nebbia, Astor Piazzola, el Gato Barbieri, Waldo de los Ríos y Charly García entre otros. El único reproche es la gruesa omisión de los maestros Alberto Ginastera y Gilardo Gilardi. Un recorrido por la historia del cine argentino, un homenaje a todos aquellos que alimentaron nuestros sueños con sus pentagramas.
De retorno en el centro de la ciudad presencié Venezia de Rodrigo Guerrero, que se presentó dentro de la sección Panorama del Cine Argentino. La trama gira en torno de Sofía, una argentina que queda viuda en su luna de miel. Mientras realiza los trámites burocráticos para trasladar al cadáver deambula por la ciudad. El recorrido emocional de Sofía se asemeja en cierta forma al de Camila Morgado en Vergel (Kris Niklison – 2017), aunque por suerte para la protagonista los tiempos son más cortos. Deambula como una autómata con la vista clavada al frente por los estrechos pasadizos de la ciudad italiana sin detenerse en ningún negocio, coquetea con el sexo, el retorno es algo incierto, los trámites la abruman.
La cámara y la imagen se imponen por sobre la palabra. La decisión de adaptar el formato 16:9, el uso de una steadycam en los meandros de las callejuelas de la ciudad con el punto de vista de Sofía, y el hecho de no subtitular el 90% del film que es hablado en inglés e italiano, privilegian un aspecto sobre el otro. Los diálogos son circunstanciales, banales, no aportan mucho, son un murmullo dentro de la banda sonora. Lo que interesa es el estado anímico del personaje que encarna Paula Lussi, su mirada vacía, la tristeza que se refleja en su rostro y el peso del repentino duelo que lleva a cuestas. Otro paso positivo del director que ya había sorprendido con su anterior obra: El tercero.
Un piromaníaco, luego de cumplir su condena, regresa a su terruño en Galicia, pero el estigma que lleva en sus espaldas es difícil de quitar. Es el comienzo de Lo que arde, tercer film del francés Oliver Laxe, que obtuvo el Premio del Jurado en la sección Un Certain Regard del último Festival de Cannes.
El retorno al hogar con su anciana madre no es fácil, la reinserción social casi imposible ante el recuerdo de su pasado por parte de los pobladores que se burlan de su adicción. Su vuelta coincide con un nuevo incendio en el monte que requiere el esfuerzo denodado de los hombres de la región, quienes transforman el sacrificio en violencia hacia la persona de Amador, aunque él, por esta vez, no fue el responsable.
El film del director de Mimosas (2016) aprovecha el tema del fuego y sus consecuencias para retratar la vida rural, el cuidado del huerto, el afecto ilimitado de la madre por su hijo, el cariño en el trato con los animales. El monte gallego impone su presencia, la naturaleza con sus frondosos árboles, las espigas que se integran a las paredes de las casas, constituyen un elemento fundamental del relato.
La construcción del espacio en el que se mueven los personajes está muy bien manejado por Laxe. Una mirada sincera y austera sobre el monte de Lugo y su entorno con seres que se muestran tal cual son, sin nada que esconder. La Sección Competencia Internacional parece ir por la buena senda.
Terminé de escribir esta crónica, cerca de las dos de la mañana. Me preguntaba si en el Meeting Point el DJ Limbo Polett seguiría con el rap, el funk y el nu disco. Lo dejaré para otra ocasión. Nos vemos mañana.
